Revista Diners
Getting your Trinity Audio player ready... |
“…Nuestra riqueza siempre ha generado nuestra pobreza al alimentar la prosperidad de otros”: Eduardo Galeano.
En ese escenario que parece desnudo -apenas tiene unos tableros al fondo y un piso dividido en grandes cuadros- está por soltarse una especie de huracán. Sólo tres actores y un músico, que va marcando el ritmo con su voz, sus instrumentos y un timbre, representarán su versión de uno de los cantos de protesta más icónicos sobre los atropellos que han sufrido los países latinoamericanos.
La inspiración es Las venas abiertas de América Latina, el libro del escritor uruguayo Eduardo Galeano que ya desde su título plantea la idea de que nuestro continente vive desangrándose por intereses extranjeros. Los artistas que se atrevieron a llevarlo a escena son los integrantes del grupo brasileño Aquela Cia. de Teatro.
La pieza, Venas abiertas 60 30 15 seg, toma la novela de Galeano como punto de inspiración, al tiempo que propone una apuesta vanguardista, una historia de amor y muchas historias de opresión. No es una narrativa tradicional, algo que se desprende desde el título de la pieza, pues esa marca temporal es fundamental para la estructura de la historia.
(Le puede interesar: Virginia Petro: «en mi mundo, en lo que piensa mi cabeza, también me puedo dar la oportunidad de escribir algo que esté habitado por el amor»)
En el elenco de la pieza, dirigida por Marco André Nunes y con texto de Pedro Kosovski y Carolina Lavigne, sobresale la actriz colombiana Carolina Virgüez, quien nació en Bogotá pero desde hace 46 años reside en Brasil, donde ha consolidado una galardonada carrera como intérprete teatral.
Virgüez, que además actuó en la película La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte 1, ha logrado galardones como el Molière (1989), el Prêmio Shell y el de la Associação dos Produtores de Teatro de Río de Janeiro (APTR) en la categoría de Mejor Actriz por la obra Caranguejo Overdrive (2016). En julio pasado, Virgüez volvió a obtener el premio de mejor actriz de la APTR por su trabajo en Venas abiertas 60 30 15 seg.
“Estamos hablando de América Latina, estamos hablando de explotación, estamos hablando de opresión, estamos hablando de heridas, estamos hablando de resistencia”, asegura la colombo-brasileña sobre esta producción, en la que comparte escena con el músico Felipe Storino y los actores Matheus Macena y Rafael Bacelar.
Esta producción, que hace parte de las propuestas brasileñas que se presenta de la edición 58 del festival manizaleño, tiene la particularidad de que sus escenas están cronometradas. Primero, son cuadros de 60 segundos y gradualmente van descendiendo en duración a 30, 15, 10 y 5 segundos.
Con esa apuesta fragmentaria, Venas abiertas 60 30 15 seg no sólo representa algunos de los pasajes de la novela de Galeano, sino que lleva a escena la historia de la masacre de las bananeras que ocurrió en Ciénaga, Magdalena, en 1928, gracias a la sugerencia de Virgüez. Esto, a través de un salón de baile, en el que se conocen un soldado y un trabajador de la United Fruit Company, que se enamoran y deciden casarse el mismo día de la masacre.
Los atropellos que han tenido que afrontar los países latinoamericanos se mezclan además con pasos de nuestras danzas tradicionales, como la salsa, el mambo, la cumbia y la samba.
Hay algo muy importante en la obra y es el manejo del cuerpo, en su dimensión de víctima, pero también como escenario de celebración…
Hay opresión, hay explotación, pero al mismo tiempo hay resistencia, celebración y fiesta. Los brasileños bailan bastante, pero los colombianos no se quedan parados. Marco (el director) quiso hacer un trabajo en el que los cuerpos también estén en su potencia máxima. Es el dolor y la delicia de ser latinoamericanos; uno va resistiendo, uno se va levantando y uno va bailando y sigue bailando y sigue bailando. Es la potencia de los cuerpos que resisten, porque son dos vías, no hablamos solamente de la opresión, queríamos que el cuerpo estuviera en fiesta.
Es muy arriesgado que la obra cuestione qué valor tiene ese texto de Galeano en este momento, en el que estamos afrontando los mismos problemas, pero con otros discursos…
Sí, queríamos abordarlo de otra forma, porque nosotros también tenemos esos colores, también tenemos texturas, también tenemos alegría, tenemos fiesta y no podíamos siempre estar como decaídos. Y Marco escogió ese episodio histórico de la masacre, lo estudió e hizo una fábula, una ficción, se inventó esos tres personajes, que son la profesora, el soldado y el obrero.
Hay una historia de amor que va contando un poco la historia privada, la historia íntima, y también están la historia del país y del continente. Siempre está esa fricción, esa tensión entre lo personal y lo más amplio, lo político con lo cotidiano, y cómo esas fuerzas van invadiendo a una pareja en el momento en que ellos se van a casar. No fue sencillo llegar a esto, trabajamos como si fuera un juego performativo: tan pronto entra el público, el propio músico suelta el timbre y uno tiene que encajarse en esos tiempos.
Ahí entra también el tema de la información en el contexto contemporáneo…
Se trabaja mucho con la información de ahora en las redes sociales, como Instagram, en la que tú estás pasando y pasando. Es otra manera de consumir información, ahora estás viendo una cosa y, de pronto, pasa otro cuadro y hay otra cosa y otra cosa…
Ahora, esto es una perspectiva mía, pero creo que hay una dictadura del tiempo, siempre sobra algo, siempre hay cosas que se salen, que se escapan.
Con esa implicación de los bailes populares latinoamericanos, el contenido se siente muy actual, especialmente por toda la problemática social que está atravesando el continente…
Es que es necesario que hablemos sobre ello. Hay algo curioso que Galeano dijo en algún momento: ‘Yo había escrito eso en los años setenta, pero, Dios mío, yo no volvería a leer eso ahora, me parece aburrido’. Nosotros pensamos que él tal vez dijo eso porque también hay una forma muy intelectual, muy mental, y nosotros entramos ahora con el cuerpo. Esa fue un poco la operación.
¿Qué significa volver a hacer teatro en Colombia y en Manizales?
Es una alegría impresionante, porque se conjugan muchas cosas: yo soy de Colombia, pero me fui a vivir a Brasil hace 46 años y trabajo en una compañía brasileña; también está el hecho de que el eje narrativo de la obra sea de Colombia y trabajamos música de Colombia, tenemos cumbia. Entonces, ese cruce me emociona porque realmente es mi vida, yo soy eso, nací aquí, pero soy de allá y necesito hablar sobre esto. Este es mi país, donde nací, donde tengo recuerdos y hay melancolía, pero todo lo que aprendí en teatro es de allá. Siempre es muy emocionante volver a casa.
A pesar de que hace casi dos meses sucedió el terremoto, el Festival de Teatro de Manizales siguió adelante y ha generado un sentido de comunidad. ¿Cómo valora que estos eventos sigan adelante pese a la adversidad?
El teatro es unión, el teatro es colectivo, el teatro es cooperación, el teatro es encuentro, el teatro es trascender, el teatro es superar. Yo creo que hago todo esto por ese motivo. Entonces, estar aquí, ver, por ejemplo, la Catedral así y ver también que el festival resiste, hace sus obras de teatro y está lleno, tiene un valor muy significativo.
(Continúa leyendo: La memoria dibujada de Keum Suk Gendry-Kim)
