Para el arte colombiano, 1920 fue especial. Ocho grandes creadores nacieron justo ese año: Alejandro Obregón, Édgar Negret, Lucy Tejada, Cecilia Porras, Enrique Grau, Manuel H. Rodríguez, Nereo López y Manuel Zapata Olivella. Hoy, cien años después, el Museo Nacional de Colombia abre una exposición para rendirles un merecido homenaje.
Por medio de 186 obras, de las cuales 87 son inéditas, el museo recorre el periodo comprendido desde 1944 hasta 1966 en la vida de estos ocho artistas. Una etapa caracterizada por una particular libertad artística para los jóvenes creadores, pero marcada por la guerra fría en el mundo y las tensiones bipartidistas nacionales.
Diners conversó con Juan Darío Restrepo Figueroa, uno de los tres cocuradores de Cien por ocho, centenario de ocho creadores colombianos, que estará abierta hasta enero de 2021.
¿Cómo nace Cien por ocho y cómo llega usted a formar parte de la exposición?
Flor de mangle (1965) de Alejandro Obregón.
El director del Museo Nacional, Daniel Castro, me invitó a formar parte del equipo. En el pasado trabajé ocho años y medio con esta entidad. En principio, Eduardo Márceles, escritor y cocurador de Cien por ocho propuso una mirada desde la costa colombiana, que incluía a Obregón, Porras y Grau. Además, desde el año pasado el Ministerio de Cultura declaró el año Zapata Olivella.
Así, el museo hizo una radiografía de los personajes que también cumplían cien años de su nacimiento. Se nos quedaron por fuera nombres como Otto Morales Benítez, Álvaro Castaño Castillo y Alfonso Ramírez Fajardo.
¿Por qué delimitar la exposición a este periodo de 22 años?
La exposición, enmarcada en estos años para mostrar un periodo de experimentación y libertad, deja de lado el reconocimiento que hace el mercado del arte a las obras de estos creadores, ya durante su madurez.
Al revisar esos años encontramos nueve gobiernos, una junta militar, el Frente Nacional, el periodo de La Violencia, la dictadura de Rojas Pinilla, el voto de la mujer, la guerra fría y el desplazamiento de la visión eurocéntrica del arte hacia Estados Unidos. El problema era, entonces, decantar tantas cosas en un mismo espacio.
Niños en la sombra (1960) de Enrique Grau.
Cien por ocho se convierte en una invitación a identificar cómo todas estas tensiones influyen en la producción artística de los ocho personajes, que experimentan con diferentes lenguajes para mostrar los acontecimientos de nuestro país.
En función de estos hechos armamos las diez líneas temáticas que forman un ensamblaje muy interesante de 186 obras.
¿Cuáles son esos diez ejes temáticos y cómo los relacionan con los ocho creadores?
Los ejes temáticos son: los creadores cara a cara, los gobernantes cara a cara, la escena artística, de cara a lo político, lo natural, lo construido, lo cotidiano, lo místico, lo corporal, y la reproducción técnica.
En esta ocasión dejamos de mirar el arte por el arte, sin contexto o realidad sociopolítica. No sería responsable hacer una exposición que solo hable del artista, como si estuviera inspirado en la nebulosa.
Las salas de exposición del Museo Nacional son cada vez más un laboratorio. Ya estuvo bueno de pensar que una exposición es una verdad revelada o acotada, y que ya no se puede decir nada más de estos ocho creadores. Al contrario, creo que los ejercicios de curaduría son una oportunidad para repensar, aproximar y apropiarse de esas obras y temáticas.
Por eso queremos invitar a aquellas personas muy consagradas al arte, pero también a los nuevos. Ese fue el gran reto de la curaduría, hablarle al público general, pero también tener guiños para quienes dominan cada uno de los cuadros.
La ceiba dorada (1958) de Lucy Tejada.
¿Cómo fue el proceso de curaduría en medio de la pandemia?
La curaduría se hace con mínimo un año de anticipación y teníamos parte de la tarea adelantada. Pero debo confesar que tuvimos muchos días de dudas, porque la meta era abrir la exposición antes de que terminara el año. Así que fue un proceso de readaptar las formas convencionales para lograr materializar la muestra.
De por sí, esta es una exposición complicada, porque las obras vienen de siete ciudades. Eso hizo que se convirtiera en un happening, ya que las 186 obras estuvieron completas luego de las primeras dos semanas de exposición.
¿Por qué deciden ambientar la sala de exposición con franjas blancas y negras?
Eso tiene tres niveles de lectura. El primero indica que, aunque los ocho creadores son contemporáneos, a veces no se ve mucha relación entre ellos. Y sus obras son esa escala de grises que está entre los dos extremos: el blanco que es la persona que nace en 1920, y el negro que es el gran maestro en el que se convierte.
Escalera al cielo (1944) de Édgar Negret.
Por otro lado, las franjas y los papeles de colgadura le bajan un poco ese nivel ortodoxo y estéril de una sala de exposiciones completamente blanca. Se convierten en una invitación a salir de casa a otro lugar que le da la bienvenida y le brinda seguridad.
Y el último, es que en medio de la guerra fría existió en Estados Unidos una decoradora llamada Dorothy Draper, famosa por usar estas franjas y colores en el hotel Greenbrier. Al terminar la guerra fría, se supo que dicho hotel tenía un búnker destinado a salvar al presidente de la nación y a su gabinete por si algo salía mal con Rusia.
