Revista Diners
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La Galería El Museo inauguró recientemente tres exposiciones que estarán exhibidas hasta el 21 de noviembre. Se trata de “Gran Formato”, de Manuel Hernández; Eduardo Ramírez Villamizar y Rafael Echeverri en diálogo y la obra “Intersticios”, de Vera de Tcherassi.
La curadora María Iovino, quien seleccionó las obras para “Gran Formato” y el diálogo entre Ramírez Villamizar y Rafael Echeverri, destacó el arte abstracto que se aprecia en la primera y, adicionalmente, la relación entre la abstracción y la geometría, en la segunda.
Según Iovino, “para Manuel Hernández la abstracción constituyó ante todo una opción de expresión espiritual y lírica. Aunque admiró el trabajo de grandes creadores de la geometría abstracta, entre quienes su amigo cercano Eduardo Ramírez Villamizar ocupó un lugar especial, en su propia obra el conocimiento de lo geométrico se descubre exclusivamente en el trasfondo compositivo, en el cual, en todo caso lo emocional se entiende como un asunto primordial”.
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Manuel Hernández nació en 1928 en Bogotá y falleció en la capital colombiana en 2014. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia, en la Escuela de Bellas Artes de Santiago de Chile, en la Academia de Bellas Artes de Roma y en el Art Student League en Nueva York. Según la enciclopedia banrepcultural, el artista fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá y director de la Escuela de Bellas Artes de Ibagué.
Según la enciclopedia, “su obra pertenece al mundo de la abstracción pura: el fondo de sus cuadros es neutro y sólo alude a un espacio más o menos en profundidad. Los signos que aparecen en él carecen de referencias y sólo por prejuicio naturalista, alguien puede asociarlos a formas conocidas; los colores son producto de innumerables mezclas y evitan los tonos más frecuentes en el mundo material”.
La curadora explica en su texto que el artista exploró diversas técnicas, procedimientos y materiales y que fue un “admirable observador de las variaciones luminosas”. Además, plasmaba de manera abstracta lo que contemplaba en los paisajes de Colombia y Latinoamérica.
Durante su trayectoria, según Iovino, “aprendió a valorar la fuerza del contexto y la formulación de visionarios como Roberto Matta, Rufino Tamayo, Pablo Picasso, Emilio Pettoruti y Mark Rothko, este último, uno de los maestros que marcó su obra. Debido a la influencia de Rothko, Hernández desarrolló pinturas de grandes formatos y mediante su obra hizo “perceptible lo inmaterial”, aun cuando en su obra puede percibirse la presencia humana. “Lo propio podría decirse del desempeño en negros y en tonalidades oscuras, campo en el que Rothko edificó una referencia colosal, sobre todo en la capilla que lleva su nombre en Houston, Texas”, explica la experta.
Dos artistas en diálogo
En su exposición, la Galería El Museo puso a dialogar la obra del artista nortesantandereano Eduardo Ramírez Villamizar (1922 – 2004) con la del risaraldense, Rafael Echeverri (1952-1996). “En conversación surgen conexiones, contradicciones, interrogantes o comprensiones que de otra manera podrían pasar inadvertidas. Los encuentros entre posiciones y proposiciones -contrarias o coincidentes- potencian la significación de las ideas, clarifican su valor, su pertinencia o la importancia que adquieren en un contexto determinado. Así mismo, confrontar interpretaciones ayuda a visibilizar las rutas de las que provienen, los caminos que fundan o que fundarían, entre muchas otras cuestiones”, explica Iovino en su texto.
Según la curadora, estos importantes artistas colombianos reflexionaron mediante sus creaciones acerca de “la significación del orden y de la belleza, la del tiempo y del espacio y la de las diversas dimensiones en la existencia. Estos creadores pensaron por lo mismo en valores estructurales y esenciales como la luz. Echeverri, básicamente a partir del color y Ramírez Villamizar, de la modulación de las formas en el espacio (el interno y el externo)”.
Villamizar, en su obra pictórica, fue pionero de la pintura expandida -aquella en la que el artista sale del lienzo para intervenir lo que hay alrededor- y Echeverri le ofreció nuevas alternativas a esta expresión.
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Echeverri, según Iovino, inició su acercamiento a la geometría en 1977, mantuvo la pintura como campo principal de trabajo, pero modificó su condición física: pliegues, acumulaciones de pigmento y, más adelante, dobles bastidores hicieron que el lienzo dejara de operar únicamente como plano. “En monocromías, simetrías y retículas Echeverri organizó una pintura que se proyecta hacia el espacio sin abandonar el muro”.
Por su parte, Ramírez Villamizar estructuró sus relieves o pinturas tridimensionales mediante sobreposiciones materiales. “Echeverri armó las suyas centrado exclusivamente en lo pictórico. Aplicó el color en intensidades diversas y, de esa manera, con muy escasos recursos, generó juegos compositivos en los que el movimiento geométrico es intenso. Además, en algunos trabajos plegó el soporte pictórico para superar la restricción bidimensional de la pintura, lección que pudo aprender de Ramírez Villamizar. Tanto en pintura como en escultura, Ramírez Villamizar exploró formas de multiplicar el espacio doblando y moviendo el material”, explicó la curadora.
Intersticios
La artista Vera de Tcherassi expone su obra “Intersticios” en la Galería el Museo hasta el 21 de noviembre. Según la galería, esta artista, que inició su práctica a los 80 años, tiene una pasión por el color, el volumen y el espacio. Como cofundadora de la marca internacional de moda de lujo Silvia Tcherassi, su trabajo es el resultado de una vida dedicada a la exploración y la innovación; ella se ha inspirado en la naturaleza y está comprometida hace quince años a la preservación del icónico árbol de macondo, entonces en riesgo de extinción.
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En sus esculturas y por medio de las variaciones en la disposición de listones pintados simboliza los inevitables altibajos de la existencia humana. Este discurso profundo refleja su madurez artística y su capacidad para transformar experiencias personales en expresiones escultóricas. Cada obra es una celebración de su vida, una mirada atravesada por la resiliencia y la experiencia, y una oportunidad para transmitir un mensaje de optimismo, aseguran desde la galería.
“Haber sido parte de la industria de la moda durante más de 40 años me ha brindado un entendimiento profundo de los tonos, el volumen y la textura. Estas piezas se convirtieron en una continuación de mi última serie. Quería explorar los altibajos e intersticios inherentes al viaje de todos a través del color y de la composición”, explica la artista. De esta manera, Vera encarna el poder de la transformación pasando de la moda al arte y reafirmando, a una edad madura, que la pasión y la creatividad no reconoce calendarios.
