La era del arte monumental en ArtBo

SITIO, una de las secciones más llamativas de ArtBo, reúne instalaciones artísticas que trascienden los formatos tradicionales de exhibición y permiten que el espectador se involucre con ellas.

Foto principal: Escalera, 2016, de Jorge Julián Aristizábal (Galería de la Oficina)

En Diners le presentamos las obras seleccionadas para este año.

El arte trasciende fronteras. No es solo el cuadro que se cuelga en la pared, el coleccionismo, la escultura única. También sirve para repensar la arquitectura, el urbanismo, el paisajismo, el tiempo. Y una de las formas más interesantes de entenderlo, de palparlo incluso, está en SITIO, un espacio reservado en ArtBo para obras ambiciosas, de gran escala o experimentales, que pueden venir de la última exhibición en el Metropolitan Museum de Nueva York, o el Pompidou de París, y demuestran que esta feria está a la vanguardia del arte. No se trata ya de la obviedad de lo mercantil, sino de dignificar a las galerías presentes y a sus artistas con instalaciones atrevidas e información concreta de lo que está pasando en el mundo del arte.

“La selección final fue realizada por un comité que tuvo en cuenta la trayectoria de los artistas, la relación con el espacio de la feria así como las características físicas de los proyectos. Se eligieron desde obras de arte moderno de finales de los ochenta hasta instalaciones contemporáneas creadas específicamente para SITIO”, explica María Paz Gaviria, directora de ArtBo.

1. Media esfera roja, Jesús Rafael Soto

Instalación del artista venezolano Jesús Rafael Soto (1923-2005), uno de los referentes del arte cinético (1988, León Tovar Gallery, Nueva York)

Tocaba con su guitarra música popular venezolana en París. Así vivía y podía dedicarse al arte, un arte que al principio pocos entendían. Sus obras no eran inmediatas, sino que partían de la observación, casi meditativa, de las líneas, de las superficies y su relación con el movimiento del espectador.

Así como las antiguas esculturas griegas daban la impresión de que un cabello o una bandera ondeaban, Jesús Rafael (1923-2005)Soto se volvió un maestro del arte cinético creando ilusiones ópticas con sus famosas esferas. Estas instalaciones son inseparables del observador, pues en realidad las esferas no existen, pero cuando el visitante se desplaza y mira con atención, parece que sí estuviera frente a un cuerpo gigantesco, redondo, sólido.

Las obras de este artista venezolano han sido parte de la colección del Guggenheim, el Metropolitan Museum, el MoMA, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Pompidou de París, entre otros.

Media esfera roja (1988) es una de las más grandes, con ocho metros de diámetro, y será traída a SITIO, en ArtBo, gracias a la galería León Tovar, de Nueva York. Será una intrusión monumental en un espacio cerrado, extraña y a la vez íntima, ya que necesita de los asistentes para tener sentido: una media esfera que solo está completa con la ilusión que se forma en la mente.

“Soto es un artista que es necesario e importante para cualquier colección. Media esfera roja es una de sus piezas más icónicas. Es una demostración plástica, casi una explosión nuclear”, comenta León Tovar, de la galería.

Vista desde muy cerca podrían ser apenas varillas colgando, con precisión matemática, de un nailon; notas musicales que, juntas, componen una canción… o una esfera. ¿Dónde está la otra mitad? ¿Al otro lado del techo? ¿Existe? Si está en nuestra mente, entonces existe.

2. Escalera, Jorge Julián Aristizábal

Tuvo que abandonar su Escalera “vilmente” en Inglaterra. Fue una de sus creaciones finales en el máster que estaba estudiando y debido a su tamaño era casi imposible transportarla. Pero nunca se deja una obra totalmente; es el arte como parte de uno mismo.

Quince años después, la Galería de la Oficina, Medellín, le pidió al artista paisa Jorge Julián Aristizábal que volviera a realizar esta instalación, casi teatral, que pretende poner de boca en boca la disfunción de la sociedad. Es una escalera de madera de treinta metros lineales que se fractura en varias partes, como un acordeón. Se toma el espacio en diferentes dimensiones: una escalera pasa por el suelo, otra sube por la pared y otra irá a otra parte.

En voz del artista, se trata de “la imposibilidad de la sociedad de trabajar unida, esa frustración de no ser capaces de resolver conflictos. La primera versión y esta son producto de la frustración por la falta de entendimiento humano”.

En el trabajo de Jorge Julián Aristizábal vemos objetos, escenarios y lugares relacionados con la experiencia humana, pero fuera de contexto. Lo cotidiano genera intriga, el espectador lo complementa con sus diversas lecturas. Es, en total, un juego.

“Siempre trato de que esté presente el humor a través de lo que parece a primera vista obvio y cuando se mira por segunda vez darse cuenta de que está queriendo decir otra cosa. Ese momento nirvana. Me gusta el sarcasmo y explorar las relaciones humanas”.

3. Especular, Leyla Cárdenas


Leyla Cárdenas
Especular, 2017
Galería Casas Riegner

La instalación como un loop, un palíndromo o una aparición especular. La fachada emblemática de la estación de la Sabana, de Bogotá, impresa sobre una tela para mostrar el paso del tiempo. Parece su reflejo sobre un espejo de agua. Las ondas distorsionan por veces la imagen, pero la construcción se mantiene en pie.

“Estiro la analogía de la trama / la misma tela, la trama narrativa / histórica que se hace y se deshace en el espacio”, explica la artista colombiana Leyla Cárdenas. La serie de imágenes es una documentación de construcciones en Bogotá y sus alrededores durante el siglo XIX y principios del XX, “el periodo de esa vaga idea de ‘construcción de nación’. Las documento en su estado actual, a veces de ruina o a veces de completa desaparición”.

Cárdenas fue la ganadora del Premio OMA al Arte 2016 y con la galería Casas Riegner presentará en SITIO Especular (2017), una instalación para repensar el tejido de la estructura del mundo: “Aludo a ese umbral que no se puede atravesar, a los diferentes ciclos de ilusión y pérdida que se repiten en nuestra historia”.

4. La vida es sueño, François Bucher


François Bucher
Roberto Rubiano O
Trámites y Diligencias
Galería Alarcón Criado

4 p. m. Mujer trigueña le toma la mano a hombre de aproximadamente 1,85 metros de altura. El hombre mira el suelo. Toma nota mental para comunicarle este acontecimiento mañana a su sicólogo. Fin del comunicado.

El mecanógrafo se levanta de su asiento. Toma la hoja de su vieja máquina de escribir y la pega en la pared junto con cientos de hojas en las que ha redactado todo lo que ha visto a su alrededor.

Trámites y diligencias (La vida es sueño), 2008–2017, es el proyecto que el artista caleño, François Bucher, presentará con la galería Alarcón Criado de Sevilla, España, en ArtBo. Es una obra que resulta del cumplimiento de un contrato que el artista firma con un mecanógrafo. Allí se estipula que la persona contratada va a estar trabajando durante el horario de la feria, mecanografiando a su libre albedrío todo aquello que acontezca a su alrededor.

Pero ¿acaso libre albedrío realmente significa libertad total de escritura? La clave quizá se encuentra en la nota al pie del contrato que, como en la vida cotidiana, ordena una “simple” transcripción, el cumplimiento de formularios de carácter burocrático.

Las hojas mecanografiadas constituirán un retrato del acontecer de la feria desde el punto de vista del mecanógrafo. Es una obra que también reflexiona sobre la obsolescencia, ese juego con el tiempo del pasado que apenas queda en un papel. En este espacio también se confrontarán los textos que resultaron en 2008, cuando esta obra formó parte de Medias promesas en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

5. Entre nos, Iván Argote

Iván Argote, Entre nos, 2017
Galería Vermelho, Brasil
Foto: Edouard Fraipont

“You are here with me… as close as we can get”. La frase se construye sobre varias capas superpuestas de acero. El mensaje no tiene punto final. Hay que acercarse y deshacer las posibilidades. Tal vez ahora sea: “As close as we can’t get”.

Se dice que el espacio es penetrable. Penetrar no solo como moverse entre las seis piezas escultóricas, sino a involucrarse con ellas: cambiar de punto de vista, girar, rodear. La mirada y el movimiento activan cada pieza. La lectura de los textos varía para reflexionar sobre el tiempo presente.

Entre nos (2017) es la instalación del artista colombiano Iván Argote que la Galería Vermelho trae desde São Paulo, Brasil, a ArtBo. Argote vive en París desde 2006 y su trabajo, explica la galería, “explora el comportamiento humano, la forma como las personas se relacionan con el medioambiente y nuestros vínculos inexplicables con la historia, la tradición, el arte, la política y el poder”.

Sus piezas escultóricas podrían ser vistas como monumentos públicos que nos harían pensar en una ciudad como ese lugar de transformación y posibilidades.

6. Lumens and Lumen Balance, Henk Stallinga

Henk Stallinga, Lumens and Lumen Balance, 2017
Galería Michel Sturm/Bäckerstrasse 4

Luces móviles que flotan por el espacio. Luces que, contenidas en varios tubos de led, quedan grabadas en el aire y forman dibujos aleatorios. No son las mismas en la mañana que en el naranja de la tarde. El tiempo puede que no exista, sino la percepción que se tiene de él, de su luminosidad, de su tibieza y energía que mueve… y que se puede mover, ya que algunos de los móviles están a la altura del pecho y pueden ser empujados con delicadeza por los asistentes.

En la instalación Lumens and lumen balance (2017), traída por las galerías Michael Sturm, Alemania y Bäckerstrasse4, Austria, el artista holandés da cuenta de los cambios horarios reflejados en la intensidad de luz que proyecta la obra.

Henk Stallinga ha exhibido su trabajo en museos como el MoMA, Amsterdam Museum y Mizuho Art Collection de Londres, entre otros, y es reconocido por usar partes de elementos producidos en masa y para la industria para construir sus instalaciones minimalistas, llenas de luz, lenguaje visual, sonido y movimiento.

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